有別於近期的許多國片，都試圖表現出親民，鐘孟宏透過《失魂》這部新片反倒故我的拍了一部很自我的“電影”。在片中，我們看不到濃厚的草根、也感覺不到本土，導演想拍的不是生活，而是一個最還原的作品。
設定在台灣的故事背景之下，《失魂》將一切架空在一個彷彿迷離的世界。在電影裡，無論是時間還是空間都不再具有絲毫的意義，也都被濃縮；限制的場景，大量的縮時攝影，看似快速的節奏，卻又無比緩慢，緩慢到讓我覺得電影無比安靜，就像置身在那個環境裡，連些微的呼吸都能聽得一清二楚。
老實說，我本身對於鐘孟宏導演其實並沒有特別的偏好，只是幾年下來卻也陸續的從《停車》看到《第四張畫》，其在《10+10》當中的《回音》也讓我印象深刻。也因此即使已經錯過了首映週，場次也被濃縮到一天只剩一場，我依然堅持上大銀幕感受那專屬於鐘孟宏的個人風格。
在觀賞電影前，就先看過《壹週刊》上一篇導演跟演員梁赫群的專訪。訪談之間，鐘導提及了在過去的作品中，觀眾認為《停車》不夠暴力、《第四張畫》又像是在關懷兒童；因此，他想拍一部純粹的暴力電影，而有了今天的《失魂》。
雖然訪談的最後，導演自己推翻了說法，但是就我所看到的《失魂》來說，本片有別於現在大多數的電影，總試圖去表現一個很核心的東西。在《失魂》一片中，我能夠感受到的就是一個概念性的意象，這個模糊的概念卻不斷的穿梭於電影當中，讓觀眾很難不試圖去捕捉它；這個模糊而又鮮明的概念，如果純然只是暴力，也是個深沈的暴力。
視覺上的暴力，無非是電影作品能夠凸顯的表現重點；但在《失魂》當中，視覺之上又直擊心靈。甫開場，本片就讓我坐立難安。一場殺魚的戲，片段而零碎的搭配著阿川（張孝全飾演）焦躁的表情，鏡頭迅速切換，整場戲結束的時候，還來不及喘口氣，那個只剩魚骨連著頭，卻還掙扎跳動的半活魚，就已經跟我宣告：想看這部電影，別抱著輕鬆的心情。
《失魂》是一部不折不扣的電影“作品”。他沒有試圖要去迎合觀眾，而就像是許多擺放在藝廊的畫作一般，等待的是能接受它的人。《失魂》就是導演自顧自的說一個故事，讓觀眾去感受這個故事；本身的迷霧重重，就我來看導演也沒打算藏什麼伏筆，殺人與被殺，兇手是誰清楚直接；模糊的只剩動機，而這個動機卻也是電影概念的延伸。
卻也因為電影的直接坦蕩，讓我看到屬於國片的另一個新視野。《失魂》的格局雖然很台灣，卻表現出強烈的國際感；直接的情緒跟殺戮就如同是《鬼店》，那架空的時空感，就彷彿是《致命ID》。對我來說，《失魂》絕對足以象徵台灣電影文化的一個發展，只是他在擺脫國片藝術氛圍的同時，卻又太脫離台灣觀眾對於娛樂的概念。
只是看似不懂得商業包裝的《失魂》，卻又知道該如何用一些線索來讓觀眾更有趣的觀賞這部片。阿川這個失了魂的主角，究竟是因為失魂而被奪魄，還是不過就是內心的人格互搏？
我想，再來談人格分裂就太過於科學化的繁瑣，比起無端創造一堆受限的精神元素來囚禁創作的靈魂，鐘孟宏導演選擇在這個受限的時空裡，用更飛躍的方式來說完這個故事，也為觀眾多增加一點觀影的想像。究竟是失了魂的肉體被外來的靈魂篡奪？還是早已分裂的靈魂覺醒，其實早有定數，卻也任人詮釋。
在電影裡，人物間其實有著相當的疏離，這個疏離也是讓我初期坐立難安的主因。就如同電影的開頭，阿川跟姐姐兩個人互相望著對方的模樣，絲毫沒有姊弟之間的融洽跟親密，反倒像是男人跟女人互望一般。
這一份疏離，延伸到了電影的殺戮之中，就像是砧板上的魚的延續。以結果論來表現的第一場戲，竟能表現如此的理所當然，令我相當意外。電影不告訴觀眾為何？也不表現過程；畫面切換後，已是一具冰冷的屍體。
但是看似疏離的幾段殺戮，奪去生命的同時卻也表現出對於生命的緊抓不放。是一種自我的保護，也是一種對所愛之人的保護，即便脫去了這些完美的說詞跟包裝，還原人性最原始的殺戮，不也是一種滿足自我的渴望？在那個脫離文明的空間裡，看似原始的人性，卻有著十分功利主義的私有邏輯。
對於《失魂》的情節探討，寓意說法，網路上其實已經有相當多，也無須我再來解析一個屬於我的說法。鐘孟宏導演的電影，總是穿著描述人性黑暗的披風，只是在這個看似崩壞的表象之下，卻也隱藏著一點人性的選擇跟掙扎。就如同片中那分為兩段描述的阿川夢境，救與不救，螢幕前的你，又會怎麼選擇？
看《失魂》，我從一個坐立難安的不耐，到逐漸的習慣，其實也默默的被電影營造出的那個概念給同化。就如同片中那個囚禁阿川的小木屋，唯一狹小而開放的窗戶，就像是每一個自我的視角，總是狹隘的去看、去認識自己所認知的自己。
或許，真正讓人失魂的，不是潑灑的紅色血液，而是觀賞過後，猛然發現的內心。就像是片中看似無謂卻核心的山地警察小吳（梁赫群飾演），從開始的天真傻氣、到最後跟阿川的冷然對談，或許我們永遠無法真正的知道一個人，即便這個人就是自己。
By 許小嚕
